Когда антрепренер Борис Соловьев в 1849 году основывал этот театр, он, вероятно, не думал о том, сколько лет проживет его детище. «Чародейственною силою, – писали в то время «Губернские ведомости», – в Вологде возникло новое прекраснейшее удовольствие, явление, соединяющее в себе полезное с приятным». Прошло 160 лет, «удовольствие» перестало быть «новым» и превратилось в старейшее учреждение культуры Вологды, но главное – не перестало быть «явлением» приятным и полезным.
История светского театрального искусства в Вологде начинается в XVIII веке. Еще в 1780 году во время грандиозного праздника по случаю установления вологодского наместничества в город была приглашена ярославская труппа со спектаклем «Русалка». Однако официальной датой основания театра в Вологде считается 1849 год, когда в город приехал «козельский мещанин» антрепренер, режиссер и актер Б.Соловьев и обратился в городскую канцелярию с просьбой о дозволении открыть «вольный театр» и отвести для него место. Такое разрешение он получил, официально закрепив создание постоянного театра. Первый спектакль «Скопин-Шуйский» Н.Кукольника Б.К.Соловьев дал 1 ноября 1849 года.
Первое здание профессионального театра в Вологде находилось на Гостинодворской улице, напротив Удельной конторы (ныне «дом Батюшкова»). Об этом здании известно немного. Оно сгорело дотла в декабре 1858 года. Происшествие оказалось символичным – вместе со старым театром отошел в прошлое изживший себя сентиментальный и романтический репертуар, а на смену ему пришел реалистический. Театр переехал на Большую Архангельскую улицу (ныне ул. Чернышевского), где в то время жили многие ссыльные.
Со временем все большее место в репертуаре занимает серьезная драматургия, а в труппе театра все чаще появляются актеры «бесспорно блестящего дарования». Здесь работала Елизавета Красовская, прославившаяся исполнением роли Катерины в «Грозе» А.Островского, впоследствии уехавшая в Москву. Здесь пробовали свои силы С.Бельская, В.Родон, П.Свободин. Впоследствии здание было приспособлено под цирк, а затем снесено.
В начале 1870-х в Вологду приехал Паскуале Рамес, танцор и фокусник. При помощи своего покровителя – начальника Вологодской казенной палаты Н.Коханова он построил новое театральное здание на Плацпарадной площади. В архитектуре нового театра сочетались признаки итальянского зодчества и особенности русской избы: длинная сквозная галерея вдоль фасада, колоннада, внешние лестницы, характерные для итальянской архитектуры, и большая и крутая крыша, причудливая резьба наличников и фронтонов.
С этим театром связано начало театральной деятельности Павла Орленева. В 1903 году он приезжает на гастроли в Вологду и ставит запрещенную пьесу Г.Ибсена «Привидения», которую до этого в России не ставили. Орленев играл Освальда, его партнершей была молодая актриса Е.Корчагина-Александровская, ставшая впоследствии ведущей актрисой Петербургского Александринского театра.
В 1902 – 1903 гг. ссыльный А.В.Луначарский пишет в Вологде театральные рецензии и работает корреспондентом для газеты «Северный край». Позже он скажет, что именно здесь началась его литературная деятельность. В 1907 – 1908 гг. в Вологде ставит пьесу М.Горького «На дне» Н.Петров, впоследствии известный режиссер, а затем и художественный руководитель Ленинградского академического театра драмы им. А.С.Пушкина.
После пожара в 1932 году театр переехал в здание Пушкинского народного дома на Октябрьской улице (ныне там находится Театр для детей и молодежи). В 1974 году, к 125-летнему юбилею, открылись двери нового театра на Советском проспекте. Здание было построено по проекту, составленному Московским центральным научно-исследовательским институтом экспериментального проектирования зрелищных зданий и спортивных сооружений (авторы — архитекторы Е.М.Ландау, И.А.Михалев, Ю.П.Федотов и инженер М.П.Махин).
Несмотря на то, что здание театра построено в то время, когда функциональность превалировала над изысками форм, оно является настоящим «храмом Мельпомены» с беломраморными стенами внутри, холстами, изображающими театральные действа, светлым сверкающим святилищем фойе. Со временем проект советских архитекторов был доработан: часть помещений перестроили и тогда к основной сцене добавились еще две стационарные площадки – Малая и Камерная сцены, каждая из которых живет своей независимой репертуарной жизнью. А в 2005 году специально к Международному театральному фестивалю «Голоса истории» на крыше театра была построена временная сцена. Конкурсный спектакль «Дневник Анны» шел под открытым небом.
Имена тех, кто сегодня работает для вологодского зрителя, когда-нибудь тоже будут вписаны в летопись театра. Творчество народного артиста Леонида Рудого – предмет восхищения не только зрителей, но и театральных критиков. Тонкий психолог, мастер перевоплощения, Леонид Рудой самобытен и точен. Сценические работы заслуженных артистов России Светланы Трубиной, Светланы Улыбиной, Марианны Витавской, Натальи Воробьевой и других всегда интересны и ярки.
В 2001 году театр возглавил Зураб Нанобашвили. В 2006 году он стал лауреатом Государственной премии Вологодской области по театральному искусству за спектакли «Бальзаминов, Бальзаминов!..», «Сон в летнюю ночь», «Невеста из Имеретии», «На всякого мудреца довольно простоты», «Дневник Анны».
Отдавая предпочтение русской и зарубежной классике, Вологодский драматический театр, однако, обращается к современным ее трактовкам, интерпретациям, тем самым отыскивая новую форму для старого (но не устаревшего) содержания. Театр умеет тонко балансировать между иронией и язвительностью, откровенностью и непристойностью, безрассудством и безумием, никогда не переходя грани дозволенного человеческой моралью. Так было в спектакле «Карамазовы и ад» (инсценировка Н.Климонтовича романа Ф.Достоевского), показанном на фестивале «Голоса истории» в 2007 году и завоевавшем Главный приз за режиссуру.
Существование героев «на грани» - частое, но не постоянное явление в спектаклях театра. В каждом новом спектакле особенный образный ряд, темп, настроение, свет и цвет.
Пьеса Евгения Гришковца «Зима», поставленная Зурабом Нанобашвили на Малой сцене, трогательна и лирична. «Последний сентименталист» Гришковец предложил своим героям иррациональную модель бытия – существование за пределами разума, пространства и времени, в области чувств, эмоций, воспоминаний. Режиссер Зураб Нанобашвили так же не конкретизировал место действия – где-то под звездным небом, морозной ночью, на скрипящем снегу. Что касается персонажей, режиссер очень четко отграничил реальность и потусторонность: два солдата (С.Закутин, А.Чупин) обладают всеми человеческими чувствами, Снегурочка же – образ совершенно инфернальный (Н.Абашидзе). Она бездушна, холодна, нереальна, непостижима и вечна. Только проникая в воспоминания двух героев, она обретает на время конкретный человеческий образ – одноклассницы, любимой женщины, матери. В финале она является в образе настоящей новогодней Снегурочки, которая становится для героев проводником в вечность. Быть может, это шутка автора, но вечностью для двух солдат становится превращение в зайчиков. Несмотря на абсурдность происходящего, финальная мизансцена спектакля оказывается неожиданно милой и трогательной: в луче света, бьющего откуда-то сверху, под музыку Штрауса, застывают Снегурочка и два ее верных кавалера с заячьими ушами...
Атмосфера спектаклей, идущих на Малой сцене театра, всегда сильно отличается от той, которая создается на основной площадке. В зале, где около 650 мест, невозможно встретиться глазами со зрителем, дыхание зала ощущается как мощное, единое и потому безликое целое, массивные декорации оттягивают внимание на себя. На Малой сцене актер беззащитен: он не может спрятать свою бесталанность за гримаской или штампом, неискренность скрыть пафосом. Минуты, проведенные наедине со зрителем, раз и навсегда определяют цену актерской игры. Поэтому, наверное, важно, что спектакли Малой сцены в Вологодском драматическом идут годами на полных аншлагах.
Если творческие эксперименты на Малой сцене успешно продолжаются уже в течение 6 лет, то Камерная сцена, созданная в 2008 году, только начинает завоевывать зрителя. К слову сказать, площадку, где теперь находится новая сцена, долгое время арендовал ресторан. Однако после прихода Зураба Нанобашвили в качестве худрука все общепитовские организации из театра были выселены, а помещения стали использоваться по назначению – для нужд театра. Бывший танцпол ресторана был перестроен: появились небольшая эстрада и зрительный зал. Первый спектакль, сыгранный на Камерной сцене, – инсценировка чеховских рассказов «АП! Чехов!». Придумали «неправдоподобный спектакль» актеры драмтеатра Сергей Закутин и Дмитрий Мельников. Осуществлять задуманную постановку собралась группа единомышленников: Сергей Закутин, выступивший режиссером, молодые актеры Марина Сидякина и Николай Акулов, Александр Чупин, Дмитрий Мельников и Андрей Светоносов – известные и успешные актеры, обожаемая зрителями Наталья Воробьева – заслуженная артистка России. Музыку к спектаклю подобрал и аранжировал Антон Чекавинский. В качестве художника по костюмам выступила Татьяна Мельцова. Для Сергея Закутина спектакль «АП! Чехов!» стал режиссерским дебютом. Ровно через год, весной 2009 года Камерная сцена вновь отмечала премьеру: актер Александр Чупин поставил спектакль «Деньги! Коварсто! Любовь!» по мотивам «Голубой книги» Михаила Зощенко. Буквально на час небольшой зал, где проходил спектакль, превращался в коммунальную квартиру: актеры общались со зрителями не только со сцены, но и непосредственно в зале, внезапно появляясь где-то позади, торжественно шествуя между рядами столиков, обращаясь за помощью к случайным людям. Удалось главное – воссоздать «дух эпохи», передать атмосферу коммуналки 30-х, вместе со зрителями переместиться во времени. Ситцевые занавесочки, протянутые через квартиру веревки для сушки белья, печатная машинка, чай в подстаканнике – на фоне таких незатейливых атрибутов актеры, шутя и играя, размышляют о смысле жизни и философии истории.
Определяя тенденцию развития Камерной сцены, можно утверждать, что новая площадка – это не только место для самостоятельных режиссерских экспериментов и проб, но, прежде всего, неотъемлемая часть театра. Постепенно Камерная сцена обретает свое лицо, зрителей и почитателей, оригинальный и самобытный репертуар. Она ближе к студийной модели: творческая художественная мастерская единомышленников, в распоряжении которых – время, фантазия и возможность ее реализации.
Репертуар основной сцены, на которой идет большинство спектаклей театра, более зависит от капризов зрителя: как и все зрители по всей России, наверное, вологжане предпочитают трагедии - комедию, драме - мелодраму, сложному - простое, серьезному - забавное. Однако художественному руководителю удается держать марку, и в репертуаре Вологодского драматического по-прежнему много классики и по-прежнему полные залы. Среди недавних постановок театра – мольеровский «Тартюф». Как отмечают многие театралы, режиссеру удалось создать настоящую французскую комедию в духе Мольера, избежать назидательности и дидактизма, сохранив аллегоричность и ироничность пьесы.
Спектакль «Доходное место» – понятный, современный, молодежный по проблематике и исторически верный по форме. Режиссер Зураб Нанобашвили и художник Елена Сенатова (сценограф многих постановок на вологодской сцене, в том числе художник-постановщик спектакля «Карамазовы и ад») придумали оригинальное сценическое решение «Доходного места», исключающее традиционную степенность, медлительность, разговоры нараспев – театральную «островщину». Вместо купеческих баранок и чаепитий на сцене гротесковая декорация, воплощающая в себе мощь и силу денег, олицетворяющая сложную бюрократическую машину, проецирующая психологию «верха» и «низа» общества.
В «Доходном месте», как и во многих спектаклях, поставленных Зурабом Нанобашвили, на первом плане – эмоция, ритм, энергетика, пластика. В то же время в спектакле ощущается тончайшая самоирония, юмор, психологизм.
Оглядываясь на долгий, 160-летний путь, который прошел театр, хочется думать, что нам выдалось работать в хорошие времена, когда собрался под сводами Вологодского «храма Мельпомены» сплоченный коллектив, талантливые актеры и режиссеры, перспективный, грамотный и сильный художественный руководитель, когда все начинания театра поддерживаются властями, когда залы полны отзывчивыми и преданными зрителями.
Не претендуя на роль лидера, опережающего время, Вологодский драматический театр идет своей дорогой поисков и находок, сохраняя традиционные театральные и человеческие ценности. Куда приведет это путь – неизвестно, но главное, чтобы театр оставался «местом, где свет».
Первое здание профессионального театра в Вологде находилось на Гостинодворской улице, напротив Удельной конторы (ныне «дом Батюшкова»). Об этом здании известно немного. Оно сгорело дотла в декабре 1858 года. Происшествие оказалось символичным – вместе со старым театром отошел в прошлое изживший себя сентиментальный и романтический репертуар, а на смену ему пришел реалистический. Театр переехал на Большую Архангельскую улицу (ныне ул. Чернышевского), где в то время жили многие ссыльные.
Со временем все большее место в репертуаре занимает серьезная драматургия, а в труппе театра все чаще появляются актеры «бесспорно блестящего дарования». Здесь работала Елизавета Красовская, прославившаяся исполнением роли Катерины в «Грозе» А.Островского, впоследствии уехавшая в Москву. Здесь пробовали свои силы С.Бельская, В.Родон, П.Свободин. Впоследствии здание было приспособлено под цирк, а затем снесено.
В начале 1870-х в Вологду приехал Паскуале Рамес, танцор и фокусник. При помощи своего покровителя – начальника Вологодской казенной палаты Н.Коханова он построил новое театральное здание на Плацпарадной площади. В архитектуре нового театра сочетались признаки итальянского зодчества и особенности русской избы: длинная сквозная галерея вдоль фасада, колоннада, внешние лестницы, характерные для итальянской архитектуры, и большая и крутая крыша, причудливая резьба наличников и фронтонов.
С этим театром связано начало театральной деятельности Павла Орленева. В 1903 году он приезжает на гастроли в Вологду и ставит запрещенную пьесу Г.Ибсена «Привидения», которую до этого в России не ставили. Орленев играл Освальда, его партнершей была молодая актриса Е.Корчагина-Александровская, ставшая впоследствии ведущей актрисой Петербургского Александринского театра.
В 1902 – 1903 гг. ссыльный А.В.Луначарский пишет в Вологде театральные рецензии и работает корреспондентом для газеты «Северный край». Позже он скажет, что именно здесь началась его литературная деятельность. В 1907 – 1908 гг. в Вологде ставит пьесу М.Горького «На дне» Н.Петров, впоследствии известный режиссер, а затем и художественный руководитель Ленинградского академического театра драмы им. А.С.Пушкина.
После пожара в 1932 году театр переехал в здание Пушкинского народного дома на Октябрьской улице (ныне там находится Театр для детей и молодежи). В 1974 году, к 125-летнему юбилею, открылись двери нового театра на Советском проспекте. Здание было построено по проекту, составленному Московским центральным научно-исследовательским институтом экспериментального проектирования зрелищных зданий и спортивных сооружений (авторы — архитекторы Е.М.Ландау, И.А.Михалев, Ю.П.Федотов и инженер М.П.Махин).
Несмотря на то, что здание театра построено в то время, когда функциональность превалировала над изысками форм, оно является настоящим «храмом Мельпомены» с беломраморными стенами внутри, холстами, изображающими театральные действа, светлым сверкающим святилищем фойе. Со временем проект советских архитекторов был доработан: часть помещений перестроили и тогда к основной сцене добавились еще две стационарные площадки – Малая и Камерная сцены, каждая из которых живет своей независимой репертуарной жизнью. А в 2005 году специально к Международному театральному фестивалю «Голоса истории» на крыше театра была построена временная сцена. Конкурсный спектакль «Дневник Анны» шел под открытым небом.
Имена тех, кто сегодня работает для вологодского зрителя, когда-нибудь тоже будут вписаны в летопись театра. Творчество народного артиста Леонида Рудого – предмет восхищения не только зрителей, но и театральных критиков. Тонкий психолог, мастер перевоплощения, Леонид Рудой самобытен и точен. Сценические работы заслуженных артистов России Светланы Трубиной, Светланы Улыбиной, Марианны Витавской, Натальи Воробьевой и других всегда интересны и ярки.
В 2001 году театр возглавил Зураб Нанобашвили. В 2006 году он стал лауреатом Государственной премии Вологодской области по театральному искусству за спектакли «Бальзаминов, Бальзаминов!..», «Сон в летнюю ночь», «Невеста из Имеретии», «На всякого мудреца довольно простоты», «Дневник Анны».
Отдавая предпочтение русской и зарубежной классике, Вологодский драматический театр, однако, обращается к современным ее трактовкам, интерпретациям, тем самым отыскивая новую форму для старого (но не устаревшего) содержания. Театр умеет тонко балансировать между иронией и язвительностью, откровенностью и непристойностью, безрассудством и безумием, никогда не переходя грани дозволенного человеческой моралью. Так было в спектакле «Карамазовы и ад» (инсценировка Н.Климонтовича романа Ф.Достоевского), показанном на фестивале «Голоса истории» в 2007 году и завоевавшем Главный приз за режиссуру.
Существование героев «на грани» - частое, но не постоянное явление в спектаклях театра. В каждом новом спектакле особенный образный ряд, темп, настроение, свет и цвет.
Пьеса Евгения Гришковца «Зима», поставленная Зурабом Нанобашвили на Малой сцене, трогательна и лирична. «Последний сентименталист» Гришковец предложил своим героям иррациональную модель бытия – существование за пределами разума, пространства и времени, в области чувств, эмоций, воспоминаний. Режиссер Зураб Нанобашвили так же не конкретизировал место действия – где-то под звездным небом, морозной ночью, на скрипящем снегу. Что касается персонажей, режиссер очень четко отграничил реальность и потусторонность: два солдата (С.Закутин, А.Чупин) обладают всеми человеческими чувствами, Снегурочка же – образ совершенно инфернальный (Н.Абашидзе). Она бездушна, холодна, нереальна, непостижима и вечна. Только проникая в воспоминания двух героев, она обретает на время конкретный человеческий образ – одноклассницы, любимой женщины, матери. В финале она является в образе настоящей новогодней Снегурочки, которая становится для героев проводником в вечность. Быть может, это шутка автора, но вечностью для двух солдат становится превращение в зайчиков. Несмотря на абсурдность происходящего, финальная мизансцена спектакля оказывается неожиданно милой и трогательной: в луче света, бьющего откуда-то сверху, под музыку Штрауса, застывают Снегурочка и два ее верных кавалера с заячьими ушами...
Атмосфера спектаклей, идущих на Малой сцене театра, всегда сильно отличается от той, которая создается на основной площадке. В зале, где около 650 мест, невозможно встретиться глазами со зрителем, дыхание зала ощущается как мощное, единое и потому безликое целое, массивные декорации оттягивают внимание на себя. На Малой сцене актер беззащитен: он не может спрятать свою бесталанность за гримаской или штампом, неискренность скрыть пафосом. Минуты, проведенные наедине со зрителем, раз и навсегда определяют цену актерской игры. Поэтому, наверное, важно, что спектакли Малой сцены в Вологодском драматическом идут годами на полных аншлагах.
Если творческие эксперименты на Малой сцене успешно продолжаются уже в течение 6 лет, то Камерная сцена, созданная в 2008 году, только начинает завоевывать зрителя. К слову сказать, площадку, где теперь находится новая сцена, долгое время арендовал ресторан. Однако после прихода Зураба Нанобашвили в качестве худрука все общепитовские организации из театра были выселены, а помещения стали использоваться по назначению – для нужд театра. Бывший танцпол ресторана был перестроен: появились небольшая эстрада и зрительный зал. Первый спектакль, сыгранный на Камерной сцене, – инсценировка чеховских рассказов «АП! Чехов!». Придумали «неправдоподобный спектакль» актеры драмтеатра Сергей Закутин и Дмитрий Мельников. Осуществлять задуманную постановку собралась группа единомышленников: Сергей Закутин, выступивший режиссером, молодые актеры Марина Сидякина и Николай Акулов, Александр Чупин, Дмитрий Мельников и Андрей Светоносов – известные и успешные актеры, обожаемая зрителями Наталья Воробьева – заслуженная артистка России. Музыку к спектаклю подобрал и аранжировал Антон Чекавинский. В качестве художника по костюмам выступила Татьяна Мельцова. Для Сергея Закутина спектакль «АП! Чехов!» стал режиссерским дебютом. Ровно через год, весной 2009 года Камерная сцена вновь отмечала премьеру: актер Александр Чупин поставил спектакль «Деньги! Коварсто! Любовь!» по мотивам «Голубой книги» Михаила Зощенко. Буквально на час небольшой зал, где проходил спектакль, превращался в коммунальную квартиру: актеры общались со зрителями не только со сцены, но и непосредственно в зале, внезапно появляясь где-то позади, торжественно шествуя между рядами столиков, обращаясь за помощью к случайным людям. Удалось главное – воссоздать «дух эпохи», передать атмосферу коммуналки 30-х, вместе со зрителями переместиться во времени. Ситцевые занавесочки, протянутые через квартиру веревки для сушки белья, печатная машинка, чай в подстаканнике – на фоне таких незатейливых атрибутов актеры, шутя и играя, размышляют о смысле жизни и философии истории.
Определяя тенденцию развития Камерной сцены, можно утверждать, что новая площадка – это не только место для самостоятельных режиссерских экспериментов и проб, но, прежде всего, неотъемлемая часть театра. Постепенно Камерная сцена обретает свое лицо, зрителей и почитателей, оригинальный и самобытный репертуар. Она ближе к студийной модели: творческая художественная мастерская единомышленников, в распоряжении которых – время, фантазия и возможность ее реализации.
Репертуар основной сцены, на которой идет большинство спектаклей театра, более зависит от капризов зрителя: как и все зрители по всей России, наверное, вологжане предпочитают трагедии - комедию, драме - мелодраму, сложному - простое, серьезному - забавное. Однако художественному руководителю удается держать марку, и в репертуаре Вологодского драматического по-прежнему много классики и по-прежнему полные залы. Среди недавних постановок театра – мольеровский «Тартюф». Как отмечают многие театралы, режиссеру удалось создать настоящую французскую комедию в духе Мольера, избежать назидательности и дидактизма, сохранив аллегоричность и ироничность пьесы.
Спектакль «Доходное место» – понятный, современный, молодежный по проблематике и исторически верный по форме. Режиссер Зураб Нанобашвили и художник Елена Сенатова (сценограф многих постановок на вологодской сцене, в том числе художник-постановщик спектакля «Карамазовы и ад») придумали оригинальное сценическое решение «Доходного места», исключающее традиционную степенность, медлительность, разговоры нараспев – театральную «островщину». Вместо купеческих баранок и чаепитий на сцене гротесковая декорация, воплощающая в себе мощь и силу денег, олицетворяющая сложную бюрократическую машину, проецирующая психологию «верха» и «низа» общества.
В «Доходном месте», как и во многих спектаклях, поставленных Зурабом Нанобашвили, на первом плане – эмоция, ритм, энергетика, пластика. В то же время в спектакле ощущается тончайшая самоирония, юмор, психологизм.
Оглядываясь на долгий, 160-летний путь, который прошел театр, хочется думать, что нам выдалось работать в хорошие времена, когда собрался под сводами Вологодского «храма Мельпомены» сплоченный коллектив, талантливые актеры и режиссеры, перспективный, грамотный и сильный художественный руководитель, когда все начинания театра поддерживаются властями, когда залы полны отзывчивыми и преданными зрителями.
Не претендуя на роль лидера, опережающего время, Вологодский драматический театр идет своей дорогой поисков и находок, сохраняя традиционные театральные и человеческие ценности. Куда приведет это путь – неизвестно, но главное, чтобы театр оставался «местом, где свет».